90一代新出場，帶動“開盲盒”的藝術時代

當社會對藝術的關注熱情日漸升溫，青年藝術也成為了一種新的現象。在與市場緊密結合的情況下，大量青年藝術工作者開始嘗試不同風格樣式的創作。他們的藝術與這個時代相隨，他們所擁有的是對藝術和生活的不同理解。在迅速交流的社會信息和快速的節奏面前，青年藝術傳遞出來的前衛姿態和對藝術趨勢的把握，是最具有特色的一面鏡子。通過他們的生活創作和藝術面貌，或許能打開觀察藝術變化的窗口，同時也是抓住未來的趨勢和可能性。

松美術館作為當下年輕人的打卡聚集地，近兩年以“輕/松計劃”呈現了對青年藝術多元面貌的關注。本次“流動的本能”是松美術館推動藝術生活化、年輕化的一個嘗試，展覽由孫大可策展，Cranehehe、鞠騰、凌海鵬、盧琳、任正楠、袁樂 —— 6 位青年藝術家參展亮相。這也是疫情之後，國內美術館帶領觀眾重拾對藝術的熱愛，重新理解青年藝術價值的一次探索。

TRENDSHOME: 新展“流動的本能”最近引起了很多觀眾與藏家的興趣，對於這個青年藝術的展覽主題您當時是如何構思的？

孫大可：事實上，我想表達的是一種在流動中的多元面貌。“流動”，是一種變化的狀態，同時也是當下藝術領域的突出圖景——它已經不是一種純中心化狀態了，藝術評價標準的固定模式已經逐漸被多元化所取代，同樣，在藝術評論、策展與青年藝術家的創作中，也體現出了這種多元性、無常性。

這裡所說的無常性，不是一種貶義，而是在不確定當中擁有更多選擇的權力。所以，“流動”更加強調的是一種不確定性，這種不確定性可能給創作者帶來更多的機會。在這種狀態下，藝術家在轄域化和解轄域化的過程中，最終尋求一種本能的內心創作慾望。通過“本能”狀態不斷向前流動，從而進行一種更好的藝術創作。

TRENDSHOME: “多元與流動”的現象是指？就今天而言，它反映了您對哪些現實問題的觀察與思考？

孫大可：從國內藝術場域本身來看，疫情之後，短頻快的信息每天沖刷著人們的世界，信息的無序化也沖刷了當代藝術的發展。這其中最重要的影響便是對作品本身觀念的淺顯化與無序化。因為藝術觀念的不確定，導致藝術家們只能不斷在形式方面下手，從而補充觀念深度、廣度不夠的情況。這種現象尤其體現在部分青年當代藝術創作者的作品當中。

在碎片化的時代下，“最終”結果越來越不具有可預見性。但是，人性趨向穩定，我們都希望得到一種確定的答案。觀察中國近幾年的當代藝術發展，這種不確定性越來強烈，我們只能從不確定的流動中抓取多種可能。

TRENDSHOME：可否介紹下此次參展的個別藝術家，以及他們所關注的問題？

孫大可：今天的社會現象多少反映到了這些青年藝術家的身上。比如說，鞠騰的作品《萬國坤輿圖》是對他成長過程中回憶的整合，包括一些生活碎片或遊戲的場景。觀眾在面對他的作品時，會潛移默化地想到自己所發生的一些事情，我會將其歸納為一種“符號”的流動。

凌海鵬的作品更像是某種結構的圖紙。因為他本人喜歡研究哲學，或是數學這種比較抽象、邏輯性很強的東西，創作的畫面也是非常理性的一種狀態。因此，我認為這是一種藝術“形式”的流動。

盧琳的作品則是一種“景觀”的流動。這次展覽上，我選擇的是藝術家 2018-2022 年間的作品，通過時間的痕跡呈現出作品新舊交替的狀態。

包括像任正楠的作品，也反映出了對社會的碎片化記錄。

 Cranehehe 藝術創作小組 

《繁花入夢》《Flower》、《Nothing》 

 102 x 102 cm，收藏級紙本，2022 

袁樂的作品更接近一種“速度”的流動，他的作品是充滿動感的，體現出一種真誠與熾熱的狀態。

Craneheh 的畫面，會更突出自我“內心”的流動。所以，每個藝術家都還是能反映到現在青年藝術團體的狀態——一種流動的本能的狀態。

TRENDSHOME: 縱觀整個展覽，我們能看到新一代青年藝術家的集體出場，他們多少都是擁有自己流動的特質的。但不知道你在與這些青年藝術家的接觸中，有沒有抓取到他們群體更加不同的一面。

孫大可：我們最近也在籌備另一個青年藝術家的群展“我們這一代——90 後的藝術”，在山西省當代美術館。在跟藝術家聊天的過程中，我明顯能感覺到他們表達的真誠。首先，相較於宏觀的普世價值，他們更專注於對個體感受價值的抒發。其次，相較於對藝術本體的關注，青年藝術家達成藝術手段的方式更加直接，形式的選擇更加多元。這有賴於青年一代物質材料的豐富以及對藝術多元化的理解。

其實，進入真正的 90 後青年藝術，基本就像開盲盒一樣。在我看來，他們已經真正進入了後媒介時代——從他們這一代人開始，媒介已經開始混合了，藝術創作都處在流動的狀態中。同時，藝術家們其實都不願意在某種不同的階段呈現同樣的狀態，他們也一直都在探索。因此，當你進入到一個展覽空間中，每件作品都會帶給你無法預知的感受，同時所有作品又形成一個新的整體，讓人產生情感上的波動。這是藝術家自己與他人聯結成的一張網，一張不固定的網，並不斷地往前飄動。

TRENDSHOME：下一個的展覽也是關於 90 後青年藝術家的群展。可以談談在青年主題的持續深化中，你覺得逐漸感受到了藝術家何種探索性的新方向？

孫大可：“我們這一代—— 90後的藝術”展覽由我和谷品橋、賈淺煩共同策展，主要包括四個板塊：“內在聲響”、“身臨其鏡”、“存在之間”和“曝光過載”，對應了真實與虛擬、消費主義、符號與存在等等問題。其實我們還想劃分更多的板塊，像探討生物藝術和數字藝術等等。

為了準備這個展覽，其實我們也從國內 200 餘位青年藝術家中，篩選出了 30 人左右。作為研究者，我所考慮更多的是具有觀念性、表達社會問題的青年藝術的一面。所以這次，其實影像的作品我可能會選擇更多，因為它是最能直接去表達藝術家觀念的。

比如馬海蛟的作品《家庭分裂主義》，其實就是通過一個信件和油畫的視頻，去表現一個虛構的返鄉人的故事，從而探討家庭社會的問題。

作為青年策展人，我關注的更多是觀念內容，形式內容可能相對來說往後。還有一位青年藝術家李琳琳，她相對比較早期的裝置作品《十日談》，也很出圈。作品對我們學生時期的課桌內部進行了一個世界的搭建，每個課桌都是不同內心世界的表達。

還有蘇永健，他做藝術與科技的內容，這次我們選擇了《自由落體》，是一個電子控制的裝置。時子媛的《聲象》也是一種聲音藝術，她更強調模擬自然的聲音，作品可以進行互動。就不一一介紹了，到時候大家有機會可以去看看。

TRENDSHOME: 目前在松美術館的展覽也開了幾周了，收到了怎樣的反饋？

孫大可：信息反饋的話，當然有好有壞。好的話，因為我選擇藝術家的作品都是按照時間線發展來的，就比較全面，能夠反映他們較為完整的創作體系。而且大尺幅的作品，也最能完整體現他們的創作狀態。但是肯定也有聲音，比如說這個展覽的媒介相對比較單調。

但是我覺得其實都沒太多所謂。我們都是青年人，我們不斷在汲取經驗。而且我最強調的一點就是，我們 90 年青年藝術家和青年策展人都要抱團發聲。策展人，其實是一個以學術為支點的社會活動家，我們要真正發掘好的藝術家。

TRENDSHOME: 這也是你繼續做青年藝術展覽的原因嗎？對於青年藝術家的創作生態來說，你想再說點什麼？

孫大可：隨著這一代藝術家聲音逐漸被聽見，其實同樣也導致了他們的一種藝術迷茫狀態，原因很複雜。近兩年，針對“青年藝術家”的展覽、論壇多了起來。青年藝術工作者也以不同的面貌出現在大眾面前。但缺乏相伴的藝術理論構建體系的支撐，以及大量資本的湧入，使得青年藝術家被標籤化。

可以說，許多青年藝術家的展覽是被“攢”出來的。一方面，為增加辨識度從而迎合資本，這樣的展覽會直接導致青年藝術家創作固化。另外，這樣會使得青年藝術家難以擴展其藝術觀念的深度與廣度。流量為藝術家帶來強烈的自身滿足感，青年藝術家逐漸模糊了觀念與流量本身的關係，從而深入影響其創作的狀態。

這一代的迷茫使得身處流變中的我們悲喜交加。我們能夠看到前方隱約的光明，但卻暫時無法到達。所以，我希望更加強調和激發“我”的重要性，推動藝術家沉浸在一種純粹的工作狀態中，這種狀態對於青年藝術家來說更顯彌足珍貴。不同時代藝術被賦予了不同的使命。藝術工作者的藝術創作被流變決定的同時，也決定了這個時代的聲音。